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发布时间:2023-10-18 14:05:31   来源:文档文库   
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第一讲从美术史角度看西方艺术的起源与发展
一.关于艺术起源的学说,有五种观点:1.装饰说:原始人美化自身环境,把他们看到的一切尽可能在有限时间内进行美化和装饰。西班牙阿尔塔米拉洞窟里的壁画
2.游戏说:认为艺术的起源是原始人在生活的愉悦和捕猎等活动中产生的。是为愉快精神和庆祝丰收或胜利等产生的艺术表现学说。3.劳动说:马克思主义主张的观点,认为劳动创造了一切,包括艺术,认为艺术家的种种思维和表现都是在劳动。4.模仿说:出于模仿的目的,既站在听觉的角度也站在视觉的角度,模仿各种动植物的声音或形象进行绘画或雕塑,从而产生造型艺术。5.宗教说(图腾崇拜):图腾崇拜源自于北美印第安人当中,是最早的宗教现象,是一种巫术现象,是将某种动物或者植物等特定的物体视为与本氏族有特殊关系的崇拜行为,是人对自然界的敬畏所形成的一种理解和思想。认为真正的艺术创作是伴随着图腾崇拜的出现而产生。原始社会艺术造型的基本规律:1.从不固定到固定;2.不整体到整体;3.从不对称到对称。
二.特定的地理条件与神学观形成的地中海文明时期艺术:1.水上交通便利2.雨水充沛、气候温和的自然条件
四大文明古国:古埃及、古印度、古巴比伦、古代中国。地中海文明时期的区域文化:古埃及文化、古罗马文化、古希腊文化、两河流域文化(底格里斯河、幼发拉底河)古希腊人民以“神人同形、同性论”的观点塑造了他们的神话世界。
古希腊人热爱体育,这对艺术创作的内容和形式产生了很大的影响。《掷铁饼者》《维纳斯》《拉奥孔》---最伟大的悲剧作品。
三.从禁欲主义的压抑到人性解放:禁欲主义:泛指极端的节制个人的各种需要以达到道德理想和宗教理想的生活方式,以求在基督教的宗教世界中超越现实得到解脱。
文艺复兴在意大利出现的社会原因:
1资本主义经济的最初萌芽(经济基础)2与封建阶级的最后冲突(社会基础)3市民文化的发展(教育基础)4优秀文化遗产的挖掘(艺术基础)5人文主义思想的确立(思想基础)
人文主义:与中世纪的神学世界观相对立,以人和自然为对象的世俗科学文化精神,主张人性解放,把人从神的世界拉回到现实中人的世界中来。(从基督教和宗教的迷信世界中找到现实精神世界)
四.法国革命与法国美术运动(18-19世纪)
古典主义:重理性、重塑造、追求完美主义(重素描关系,宣传自由、平等、博爱)
浪漫主义:重感性、重创造、追求个性特征(重色彩关系,目的也是宣传自由、平等、博爱,但他追求的个性特征与古典主义在创作态度上形成了鲜明的对比)
现实主义:主张客观而又真实的表现现实生活,他们不表现历史题材,也不表现宗教题材,单纯表现现实生活中的人和自然风景。
印象主义:是人类绘画史上一场伟大的色彩革命。
代表人物:莫奈、马奈、德加、西斯来、雷诺阿、毕莎罗后印象主义:一般是指梵高、高更、塞尚三人的绘画,他们是印象主义的同时代人,而且也参加了印象派的独立沙龙展,他们的艺术更强烈的表现了画家的个性,手法更辛辣概括,色调更单纯强烈而带装饰性。后印象主义比印象主义更强调表现人的主观世界,艺术家的目标从表现外部客观世界到表现个人情感世界!这是从再现艺术到表现艺术的跨越!
五.二十世纪此起彼伏的现代主义运动现代主义产生的社会背景:
1资产阶级权贵们的审美变化;2艺术家们产生了探索新领域的愿望;3东方艺术和非洲艺术的传入;4摄影技术的发展;5新的哲学思想的出现。直觉主义(柏格森)精神分析学说(弗洛伊德)
象征主义:目标在于解决物质层面与精神层面的冲突,他们希望画家用视觉形象表现神秘的内在生命。象征主义者认为艺术是以下几个方面的:1观念的:它唯一的理想在于表达观念;2象征的:它是以形式来表达观念;
3综合的:它是一种普遍认识的模式来显现这些形式和符号;
4主观的:所描绘的事物不是客观对象;5装饰的:所有形式是具有装饰功能的。
代表人物:鲁东《眼睛像气球一样面对无限》《叫喊的蜘蛛》
波纳尔《逆光的裸妇》---“纳比派”(表达了牧歌式生活与主观的色彩情调)维亚尔1905年,巴黎秋季沙龙中展出了马蒂斯的作品被称为“野兽之笼”的油画作,于是就有所谓的“野兽派”艺术出现了。
野兽派:更强调个人主观精神,多用大色块和线条,以更夸张和自由的形式,来强调单纯、强烈的效果。代表人物:马蒂斯《舞蹈》《室内裸女》《特罗佩港》《窗前裸女》《生活的欢乐》《红色中的和谐》《镜前裸妇》《绿色的条纹》
表现主义:最主要的先驱是梵高,他们运用强烈对比的色彩、扭曲的线条、刻意的夸张、表现人类极端的激情,常表现焦虑、恐惧、爱与恨等基本感情。代表:蒙克《呐喊》《月光》《圣玛利亚》青骑士画派:是指1911年到1914年在慕尼黑活动的一个画派,在1901年,康定斯基开办了一个称为“同志会”的艺术学校,到1909年,聚集在周围的年轻画家,打破了传统的美学的束缚,成立了“新艺术家协会”,并举办展览。
立体主义:1分析立体主义(三度空间)2综合立体主义(二度空间)3多角度立体主义(四度空间)毕加索《少女》《亚维农的少女》—分析立体主义的开山之作、《格尔尼卡》---一生中最大的绘画,控诉战争、《梦》《裸体女人》《拿烟斗的男孩》蓝色时期----《蓝室》《悲剧》《人生》《一个盲人的早餐》
玫瑰色时期----《马戏演员之家》《闺阁》《土耳其装束的夫人》《杂技表演者一家和猴子》黑人时期----《立着的裸女》新古典主义时期----《海滩上奔跑的妇人》《熟睡的农民》
立体主义时期----《曼陀铃和吉他》《小提琴》《穿衬衣的妇女》巴黎画派:是泛指在第一次世界大战后,活跃在巴黎的一群外国画家,他们由于志同道合而集结在一起,这些画家全部出生于外国,他们的思想、性格以及生活方式都各不相同。他们大多出生于1844-1900年之间,而且都是犹太人,由于年龄和种族的共同条件。使他们互相接近,在生活中感受到的悲伤、凄凉或是激愤的时候使他们更加亲如手足。他们一直保持着抒情地、浪漫的表现主义和强烈的个人色彩,法国绘画的发展,与这些外国画家有很大的关系。莫迪利安尼:意大利画家。被称为“放荡的美男子”,由于他对哲学与诗的热情以及他得高雅气质,即使在穷困之中,他也能保持着贵族的风度,他希望追求富有韵律的色彩与线条来和谐的表现真实的生命。夏加尔:俄国犹太人血统的法国画家。
法国“洗衣船”----艺术家聚集的地方,是巴黎乃至欧美西方世界极为重要的艺术殿堂。达达主义:否定理性、否定真理、否定规律;主张“自我”标榜艺术无思想性;主张以混乱的语言和怪诞的形象表现不可思议的事物,甚至利用现成物品标以奇特的题目充作艺术品,表现极端的虚无主义倾向。
达达主义的绘画除了否定一切外,没有对绘画艺术提出任何建设性的主张,作品也没有美学价值。代表人物:杜桑(法)、阿尔普(法)代表作:《泉》L.H.O.O.Q《自行车与轮》超现实主义:一些重要的画家力图从否定一切中挖掘一些积极的东西以拯救社会,从而转向另一个西方现代主义文艺流派。(表现潜意识、无意识、非逻辑的构成,运用了三度空间表现超现实的世界)
代表:达利《战争的预感》《记忆的永恒》《由飞舞的蜜蜂引起的梦》《追忆往事的少女胸像》米罗《向鸟投石子的女人》《女人和鸟》
抽象主义:
康定斯基(1866-1944-----热抽象
蒙德里安----冷抽象取消曲线、取消复色、取消渐变。上个世纪70年代,在造型艺术的极其抽象与虚无的形式与思潮中,出现了“抽象”与“虚无”对立的照像写实主义。
大地艺术:让艺术家从画室和工作室中走出来,反对艺术商品化,反对创作材料的工具化性,主张自然就是艺术,主张利用空气、大地、水等自然元素进行艺术创作。冷淡的极少主义使现代主义走向尾声!
上世纪后期,艺术界呐喊着取消架上绘画和架上雕塑,人类的精神思维转入了解构和多元的时代。于是,行为艺术出现了。在当下这个多元文化的时代,行为艺术远远超出了我们对常态生活的理解,猛烈的撞击着我们的精神极限,行为艺术的各种方式对艺术的底线提出了巨大的疑问,同事对我们的生活进行追问:我们是谁?我们从哪里来?我们在干什么?第二讲艺术是总体的
艺术的总体:指艺术作品的范畴。艺术的整体:指艺术作品的形式。一.艺术品属于艺术家全部作品的总体
每个艺术家都有他自己的风格,并见于他所有的作品中:1.倘若是画家:特有的色调(或鲜明或暗淡)特有的典型(或高尚或通俗)特有的笔触(或奔放或细腻)特有的材料(或油画或水彩)2.倘若是作家:特有的人物(或激烈或平和)特有的情节(或复杂或简单)特有的结局(或悲壮或滑稽)特有的句法、预言、字汇
3.倘若是音乐家:特有的音调(或高亢或低沉)特有的嗓门(或高音或低音)特有的节奏(或欢快或恬静)4.倘若是建筑师:特有的材料(或钢材或石头)特有的结构(或榫头或钉铆)特有的形式(或传统或现代)特有的手法(或简洁或繁复)二.艺术家属于艺术家群的总体
艺术家本身连同他产生的全部作品不是孤立的,他隶属于一个艺术家群的总体。
三.艺术家群体属于特定的社会总体
艺术家本身还包括在一个更广大的总体之内,就是趣味和他一致的社会。
古希腊时期的神学观决定了当时艺术作品的内容和形式基督教时期的禁欲主义世界观决定了教堂建筑成为了当时艺术作品的最高成就
文艺复兴时期的人文主义思想是当时的艺术家在艺术作品中歌颂人的智慧和思想
法国革命运动时期促使艺术家用古典主义的理性技巧去表现英雄主义
现代主义运动时期充分体现了艺术家的表现精神第三讲从西方艺术的发展看艺术作品的本质关于艺术本质的说法,有很多观点,即重要阐述以下几点:一.模仿说十九世纪前,我们衡量一件艺术作品的好坏,看其是否表现得真实、准确。(再现)
神人同形、同性论极端的神学观模仿的两种态度:再现模仿、表现模仿模仿分三个阶段:原始模仿期、感受模仿期、经验模仿期。这三个阶段体现在每件作品、每个艺术家、每个画派乃至整个历史长河中。米开朗琪罗的《大卫》属于感受模仿期。艺术家的一生可分为三个阶段:一般来说幼儿涂鸦期属于原始模仿阶段;中青年期多数与感受模仿阶段;老年期多属于经验模仿阶段。一生中创作力量最强的当属感受模仿期。
每个艺术家的感受模仿期时间长短不一:米开朗琪罗感受模仿期很长,其感受模仿期的全部作品充满着力量的感觉和英雄气概;梵高的感受模仿期充满着整个艺术人生。只有最广泛的平凡灌注着最强烈的情感时,意见伟大的、超越所有派别和种类的艺术品才会诞生艺术家的经验模仿期不应流于经验主义和程式化的表达,否则会将创作变成制作,艺术家就会成为工艺家。我们应该时刻警惕自己:不要教条;不要被法规束缚;不要单凭经验;不要刻意表达;不要盲目照抄。二.关系说
主张关系说的人认为艺术表现是各部分之间相互依赖的关系。即便是承认模仿,也应是模仿关系,既模仿事物之间的相互关系。这样,艺术才能成为理性与感性结合的产各种造型艺术表现了如下关系:
绘画作品:色彩关系、明暗关系、透视关系等;
设计作品:协调关系、对比关系、空间关系、功能关系、材料关系、交通关系、结构关系等。
一般而言,艺术家所表现得是事物内部逻辑、内在结构、内部组织与配合关系。两种基本关系类型:
数学关系(大小、长短、多少、宽窄、前后等)精神关系(宁静、朴素、雄壮、高雅、激烈等)三.特征说
其学者认为艺术作品就是表现事物特征美
艺术品不应以重复各部分的关系而满足,最伟大的艺术家往往把真正的关系进行改变而表现事物的特征。心理特征(欢乐、悲观等)生理特征(生殖、消瘦等)性格特征(吝啬、豪放等)
材料特征(木材、钢材、石头等)语汇特征(戏剧、画种、文学等)
宗教特征(基督教、佛教、伊斯兰教等)
主要特征是一种属性,别的特征都是从主要特征引申而来。
人生有三种层次:模仿层次(跟随)关系层次(协调)特征层次(个性)第四讲关于西方现代艺术转型的思考
回顾20世纪的世界艺术状况,我们不得不承认这样一个简单的事实:这是一个西方的世纪。一.同一或差异
在现代艺术发生之前(20世纪之前),世界艺术可以说是千头万绪,多元并立,各区域性艺术之间的巨大差异将世界艺术史分割成各自并行的领域。
20世纪西方艺术家成为世界艺术的主笔。其主要原因是“世界“的含义变了,”世界“对艺术家的要求变了。20世纪前的“世界”有两大含义:
1从有机统一的角度看,指的是区域性文明划分的世界,一个区域文明就是一个世界,因此,那时有多个世界,而这种世界只有区域性,并不具有全球性。2从全球范围的角度看,指的是一些松散的,彼此不相干的多元区域的复合,这种形式上的世界不具备有机性。
20世纪之前,全球性各区域艺术是相互隔离的,到了20世纪,全球范围内的世界化使各区域文明一体化,从而被整合为有机整体。在此世界中,任何区域性艺术孤立封闭的状况都成为不可能。“在世界之中”就意味着你必须服从一种来自于自身区域外的全球性、统一的世界性要求。值得注意的是,艺术的世界化是在特殊的历史条件下进行的,亦即各区域性艺术进入世界化的历史起点不一样。西方现代艺术的立足点是18世纪以来的工业文明。工业文明给整个西方社会带来极端丰盈的物质生活,使人们迅速地进入崭新的现代生活方式中,构成一个比以往任何时代更为激烈的时代,这就给艺术家提供了一套全新的感觉、理想、冲动。
工业文明的社会观念,使艺术家更加具有自由、自发、独立的思想动态。每个人都在试图决定自己的命运,个人中心主义驾驭着艺术家奋勇前行,去创造新的个人的艺术。艺术世界的背景改变了艺术的内容,也随之改变了艺术的形式。
西方艺术的立足点是18世纪的工业文明,而非西方艺术的立足点,是古老的农业文明。这一差异非同小可,因为今天我们已经清楚,20世纪的“世界化”进程就是工业文明对农业文明的改造。
为此,20世纪的“世界化”事实上就是“西化”20世纪的世界性要求就是西方现代文明的要求。正是这种要求,20世纪处于同一世界中的东西方艺术之间的不平等的关系,即非西方向西方认同的关系。二.模仿与被模仿
20世纪的现代性是以西方现代为尺度进行参照的,只要这个以西方现代文明为中心的世界不瓦解,东西方艺术之间这种模仿和被模仿,摹本和原本的关系就不可移易。值得一提的问题在于:西方现代艺术在其本质上又是不可模仿的,这不仅在于众多的历史原因,更在于西方现代艺术本身就是反模仿的。
在今天,凡对西方现代艺术有所领悟的艺术家都清楚,西方现代艺术最根本的实质,在于它的差异性和个别性立场,正式这一立场注定了它的不模仿性和反模仿性。因为,你一旦模仿它,你就不是它了;你模仿得越像,你就越不像它;你与它同一之时正是背叛其差异之日。因此,不在于你模仿什么,而是“模仿”这种方式和立场本身就是反现代的。就此而言,20世纪在模仿认同意义上的艺术西化恰好与现代艺术精神背道而驰。这种趋势构成了20世纪世界现代艺术的特殊景观:
1在西方现代艺术的范围内,各种艺术观念、艺术行为、艺术形式不断花样翻新,可以说是其差异性和个别性原则得到了充分实施;
2在世界现代艺术的范围内,对西方现代艺术的模仿、追随、复制又导致了世界范围内的同一性状况。
虽然,从局部看,某一地区的艺术也可能“百家齐放”的,(比如中国的新潮艺术),但从它与西方现代艺术的关系看,这种百花齐放不过是模仿的百家齐放,是一种虚假的差异状态。
在一些西方大师看来,20世纪是西方中心瓦解的时代,20世纪西方思想史上的巨大幻象,(我们似乎也相信这种幻象),事实则刚好相反,20世纪才是西方中心真正在世界范围内被确立起来的时代。
从一个西方人的角度看,随着19世纪文化人类学的发现和研究,西方人突然发现在西方文明之外同时并存着多个自身完备且异于西方文明的文明形态,于是他们意识到所谓的西方中心不过是一种无知而自爱的幻象。而20世纪
的解构思潮更是从理论上强化了这一意识:世界性的文明中心不存在了。
从一个东方人的角度看,历史的基本事实告诉我们:20世纪之前的世界并无统一的中心,尽管那时西方人自以为是世界的中心(正如中国人也自以为是世界的中心一样)20世纪的世界恰恰是一个起统一作用的中心,那就是西方中心。
十分明显,世界范围内德全盘西化就是确立西方中心的具体方式,任何一个非西方民族都品尝过和正在品尝这种“确立”的滋味。在20世纪,任何非西方文明的传统都被搁置起来了。
20世纪确立西方中心的时代恰恰是非西方民族丧失自身个性的时代,中国现代艺术在20世纪所经历的正是这样一个非个性化的痛苦历程。三.游戏或者儿戏
20世纪西方现代艺术还确立了艺术的游戏规则,它对20世纪现代艺术的影响尤其深远。艺术的游戏原则有三个主要规定:1否定艺术的终极所指,将艺术还原为无止境的不确定的能指游戏(最终艺术能表达什么?2否定永恒的艺术法则,将艺术还原为按人为约定的灵活展开的游戏(偶然性、临时性、无定性的构成)3否定艺术的外在功能目的性,将艺术还原为自律自娱的游戏(无目的)
游戏和儿戏这两者之间的界限是不能轻易跨越的,但20世纪一系列“游戏”理论的含混性和“游戏”做法的随意性为这种跨越准备了桥梁。
第六讲.从文化历史的角度审视西方艺术的动力曲线一.西方艺术的开放式文化策略
无论是东方还是西方,艺术的发展受到社会总的精神气候的影响,人们的生活方式、虔诚的宗教信仰、丰厚的哲学基础、文化的批判精神、新的科学发现,共同构成了西方艺术的开放式文化的策略及其推动力。
这种文化策略即是:破坏---创新---破坏---创新1.生活方式的破坏
生活方式不停顿的改变,使西方艺术不断发展变化以适应社会总的精神气候
(生活方式、宗教信仰、哲学基础、批判精神、新的科学发展)
2.宗教的破坏
图腾的出现-----图腾艺术
古希腊神话的出现----神雕艺术西方基督教的出现----教堂艺术中国佛教的出现----石窟艺术3.政治的破坏
十八世纪西方资产阶级革命产生了18世纪法国的古典主义和浪漫主义艺术运动。
法国资产阶级大革命时期杰出的画家达维特的作品《荷拉斯兄弟的宣誓》《马拉之死》就是站在社会前进的主导力量的政治立场歌颂英雄主义。
二十世纪最伟大的画家毕加索的作品《格尔尼卡》是他一生中最大的一幅画,而这张画的创作背景,就是控诉二战期间德国侵略西班牙格尔尼卡小镇的残酷事实。4.哲学的破坏
从古希腊、古罗马古典艺术的繁荣到逐渐走上尾声,是基督教的宗教哲学体系的确立所引起的。人文主义哲学又使文艺复兴运动产生。
20世纪西方哲学的共性:1.反传统;2.非标准化
现代主义哲学是由尼采“发疯”开始的,他终结了西方传统哲学,古典哲学的崇高理论顷刻之间瓦解。
尼采的肉体已去,但是其思想在20世纪每个时期均被消化,利用一切延伸到后现代文化场。象征主义-----被米罗仿效
新的物理学-----被毕加索、蒙德里安解说空想社会主义-----被浪漫主义画家采用新的心里学-----被希勒、蒙克演绎直觉主义-----被现代主义画家照搬
潜意识的研究-----通过米罗、达利传递出来存在主义-----被贾克海蒂说明了
精神分析学说----超现实主义作为行动纲领5.科学的破坏
任何一种科学成果、成就都会影响到社会生活的各个方面,并直接作用于艺术
19世纪照相技术的出现,动摇了“再现”的艺术观念,促进了现代主义艺术的发展。
印象派-----体现了光学、色彩的规律立体派-----利用了爱因斯坦的相对论构成主义-----具有工业技术的效果
未来主义-----表现了机械运动的动感、速度感波普艺术-----采用了商品批量生产的程序
极少主义-----从现代空间技术试验中获取新的证据,追求无限与永恒的感觉二.西方艺术的动力形态
人的生活是本能的体现,而艺术则是本能的触角。社会发展中的文化状态决定着艺术的超前性质
社会总体的价值观与批判精神常常通过艺术的开放性与超前性去引导人们追求本真的生活和完美的境界。
历史是由一条条时间线来组成的,而每条时间线由各种别具特色的“异点”连接而成,每个点又具有迥然不同的历史价值。
“异点”从哲学上讲是“非延性”“抗争性”。人是活的力量而非静止的物体,人能说“不”以否定这个世界,是人性活力的作用。也正是点得意义所在,它们存在于“异”发展着“异”,后者破坏前一个结构,再建一个新结构,不同的结构、形态、类型,就是在“异”的发展和变化中出现新的形式。
纵观各个艺术时期的变更与转换,起着决定性作用的是前卫艺术,“前卫艺术”才能承担起引路领航的重任,在各个文化困境中冒险突围。
历史的事实告诉我们:艺术上任何一次新的发现,新的变革,新的实验,都会遭遇误解和招致顽固的抵抗,这也决定了“前卫”的品质:预言、参与、牺牲,而它的精神本质是对人类的良知和责任。
西方现代艺术就是在各种激进主义一个一个接踵而至的不断革命。
第七讲现代艺术的反思
一.从抽象表现主义到极少主义
抽象表现主义这个词用以定义一群艺术家所做的大胆挥洒的抽象画,他们的作品或热情奔放,或安宁静谧,都是以抽象的形式表达和激起人的情感。
抽象表现主义分为两种:1热抽象主义,如康定斯基、波洛克这样强调力量与动、充满激情的抽象艺术;2以蒙德里安为达标的更纯粹的抽象艺术,它给人以宁静与平和之感,称为冷抽象主义。
抽象表现主义是二战之后西方艺术的第一个重要的运动,它是战后漫长风格实验的开端,标志着一个新的时代的到来。
杰克逊波洛克最能显示这一风格在观念上和手法上的特征。自1947年起,他采用了将大幅画布平铺在地上,再在它周围走来走去,把“颜料”滴溅在画布上的画法。绘画的过程变得像某种祭礼中德舞蹈,他整个身体都在运动,催眠状态般的专心致志和彻底的身心投入,是一幅形成其“独立生命”的关键所在。
他得作品一旦完成,那些密布画面、纵横扭曲的线条便传达出一种不受拘束的活力,随心所欲的运动感,无限时空的波动以及其内在的力量。
波洛克自己这样描述他得作画过程:“我的画从来不是从画架上来的。作画前,我很少绷钉画布,我宁愿把未绷紧的画布钉在坚硬的墙壁或地板上,我需要一块坚硬的平面顶着,在地板上我觉得更舒服些,这样我更能成画的一部分,因为我能绕着它走,先从四边入手,然后真正的走到画中间去,这很接近西部印第安人用沙作画的方法。荷兰画家蒙德里安被称为“冷抽象主义”的先驱,他用直线和简练的三原色创作的绘画对兴起的各类非写实画派有着重要的影响。
冷抽象主义者在画面中主张:消除曲线、消除复色、消除渐变,以追求人类纯粹的基本精神。《红黄蓝构成》1927蒙德里安
二.现代主义的尾声:极少主义
极少主义又称ABC艺术或硬边艺术,20世纪50年代以美国为中心的美术流派,源于抽象表现主义,一般按照杜尚的“减少、减少、再减少”的原则以画面进行处理,造型语言简练,色彩单纯,空间被压缩到最低限度地平面,并力图采用纯客观的态度,排除创造者的任何感情表现。极少主义的特点:1非人格化、非客观化,取消个性表达姿态。2在作品中使用工业化材料(不锈钢有机玻璃、荧光灯管、铁片、橡胶塑料)3创作手法使用工业生产的方式。4形态简约、明晰,追求单一性,不作任何表面修饰。极少主义表现在雕塑上
极少主义在20世纪60年代—70年代从美国蔓延到欧洲,尤其在雕塑方面更为突出,他们追求纯粹抽象,追求纯粹的物体“物质感”,完全消灭个人情绪的“具体感”在极少主义的雕塑中再也见不到浪漫优雅的人物造型,少主义雕塑家他们完全采用工业方式,制造简单明了的几何化造型,其庞大的尺度完全反映出新的工业时代的特征。
这一时期的雕塑最重要的阶段是以两个艺术家的作品为代表的:美国人戴维史密斯和英国人安东尼卡罗,他们也成为通向极少主义的重要连结点。
作品《哈德逊河风景》象是用金属做的线描,尽管雕塑是以二维平面构成的,但透过镂空的空间看那自然的风景时,作品便带出了无穷的深度和色彩的运动。
这段时期戴维史密斯创作的一系列东西都与风景相关,这批作品大大打破了传统雕塑的规矩,其镂空的开放性预示着新的发展可能。
与之不同的是,自50年代以来,戴维史密斯在风格和处理上都更加带有工业色彩,工业技术为他提供了具有独特个性的语言。
在戴维史密斯的最后一个阶段的创作中,他得风格越来越抽象,在一系列大型作品《Zig》和《立方体》中,艺术家运用立方体和圆柱体来改造建筑般具有观念性的宏大作品。
此外,史密斯还十分注重雕塑表面的光泽效果,时而采用抛光的不锈钢,时而选择磨得有些发毛的材料,有时给作品着色,有时只是略施一层清漆。
戴维史密斯作为极少主义最有影响力的以为雕塑家,他曾说:“以艺术作品去赞美自己的感情和人类思想的自由,就相当于对各种束缚的反抗。我相信这种艺术的功用只有极少主义才能实现。
安东尼卡罗被称为史密斯的继承人,1959年卡罗在访问美国期间结识了雕塑家戴维史密斯,这种接触成为了一种催化剂,促使他在他得艺术创作中做出决定性的重大转变。安东尼卡罗说:“我意识到抛弃历史并不是什么损失,美国人让我看到没有障碍和规矩,了解到雕塑或绘画的唯一限制是是否它实现了自己的意图,而不是是否它是“艺术“时,你会感到极大的自由。
菲利普金;塔克;唐纳德贾德;卡尔安德烈极少主义表现在建筑上
在建筑上,他们以减少、否定、净化来摒弃琐碎,去繁从简,以获得建筑最本质元素的再生,获得简洁明快的空间,在简洁的表面下往往隐藏着复杂精巧的结构。极少主义追求的是空间的质量,材料的体现。在这之中会有一种抑制不了的激情,在一失神间,他会喷发而出,然后他又会慢慢分解,直至融入他得氛围。极少主义的出现使艺术逐渐失去了人们想象的空间,人们看到的是冷漠表情以及缺少人性化的空间。三.对现代艺术的反思
现代主义的种种弊端:1在完善理性秩序和逻辑结构一切经典化、标准化的同时又产生了新的文化权威和文化专制。2无穷尽的形式探索走向极端而与生活分裂;3“纯艺术”的独往独尊逐渐丧失了社会的亲和力;4艺术的自我中心性质与大众的文化消费相脱节。
20世纪现代化进程所体现的发展危机:1现代科技文明导致了工具理性的畸形发展与人文精神传统的萎缩。2高发展、高消费、向自然无限索取,造成了人类生物圈的破坏,生态失衡;3高速的工业发展带来了环境污染和人的异化;4高新技术的残酷战争导致了被侵略者的心理恐惧与仇恨心理;5现代城市的迅速扩展,传统记忆符号丧失。自从20世纪后半叶开始,世界政局全面动荡,全面暴露出人类不完善的一面:战争、暴力冲突、种族骚动、通货膨胀、价值贬值、抗议示威等种种严酷的事实,使只重形式美的艺术家软弱无力了,他们的作品更显得麻木和死气沉沉,不仅不能引起人们的兴趣,反而遭到反感和厌烦。现代主义的整个文化形态的缺陷与已进入多元化的后工业社会背道而驰,文化与社会出现了裂痕!艺术作为人类与世界的调解工具,要随着世界精神气候的变化而变化,这种变化绝不单是艺术形式和风格的问题。不可否认,现代主义艺术的基本动力已经消失!第八讲后现代主义艺术特征及其制作方法
现代主义使近现代主义资产阶级的社会实践在文化、意识领域内的表现,它的核心是对人道主义和理性主义,提倡人道,反对神道;提倡理性,主张用理性战胜一切,衡量一切。相信历史的进步和发展,相信人性和道德的不断改良和完善,相信人类将从压迫走向解放,而实现这一切的基础和力量就是理性。
“后”即“在„之后”之意.即现代主义和后现代主义的概念包含有时间顺序上的前后相继,或后现代主义是现代主义之后发生的事情.后现代主义是一个从理论上难以精准下定论的一种概念,因为后现代主义主要理论家均反对以各种约定成俗的形式来界定或者规范其主义.后现代主义属非现代主义:“后现代”是指“非现代”“反现代”,与现代相对立,相对抗。即后现代主义与现代的理论和文化实践、现代的意识形态和艺术风格彻底决裂,反其道而行之。也有人称后现代主义为高即现代主义:“后现代”即“高度现代化”、进一步发展了现代化、更加完善的现代化。即对现代的继续和强化,是现代主义的一种新面孔和一种新发展。
后现代主义是上世纪七十年代后被神学家和社会学家开始经常使用的一个词,起初出现于二三十年代,用于表达要有意识和行动需超越启蒙时代范畴。一些人认为后现代主义是基督教世界的终结。后现代主义艺术产生的时代背景和它依附的哲学思想基础使它的艺术观和创作手法与以往的艺术思潮、流派和风格都有明显差别。
从形式上讲,后现代主义是一股源自现代主义但又反叛现代主义的思潮,它与现代主义之间是一种既继承又反叛的关系。
后现代主义容纳了众多领域的特征,它包含了索绪尔和雅可不森的语言学、列维斯特欧斯的人类学、拉康的精神分析、德里达的解构主义、福柯的权力话语理论、德律兹、罗兰巴特、克里斯蒂娃的文学理论以及一些后现代主义作家、音乐家和视觉艺术家的艺术见解。
从内容上看,后现代主义是一种源于工业文明,并对工业文明的负面效应的思考与回答,是从现代化过程中出现的下列社会状态的批判与解构:剥夺人的主观性;感觉丰富性的死板僵化;机械划一的整体性、中心论、同一性;西方传统哲学“形而上学的立场”“逻各斯中心主义”从实质上说,后现代主义是对西方传统哲学和西方现代社会的纠正和反叛。
后现代主义的特征:1.不确定性:是指由种种不同的概念帮助描述出了一种复杂的现象。
这些概念包括:含混不连续性多元性异端意性叛逆变态变形
这些概念凝聚着一种解体的强大意志,影响着政体、认识、爱欲和个人心理,影响着西方的全部领域。不确定性不仅仅是混乱的社会现实生活在作家、艺术家的作品中反映,还在于它是一种主动性的解构策略。不确定性同样使风格形式退居次要位置。后现代主义艺术特征的不确定性所产生的随机性、偶发性与东方禅宗精神有着内在的一致因素。后现代主义的不确定性显然得之于禅宗思想,成为美50年代后现代主义艺术发展的源泉。后现代主义的另一个精神导师是杜尚。杜尚是西方艺术史上第一个拒绝绘画这个概念的,坚决反对将艺术当做“视网膜愉悦”禅和达达主义是后现代主义精神的两个根系。达达主义的理念反映了第一次世界大战对许多人旧有价值观的颠覆力量,达达主义运动的大部分参与者都深受虚无主义观点的影响,认为人类创造的一切都是无实际价值,包括艺术在内,达达主义者进行艺术创作的根基在于机遇和偶然性因素。
不确定性是通过语言去衍生一个无法还原的世界,“这个世界的随意有多样的,它隐含着世界及宇宙事物之意义和关系的一种根本易变性的宽容。2.解构意识与方法
解构主义是后现代主义的思维形态,而后现代主义则是解构主义的场量形态,它既是后现代主义批判家的一种方法论,又是后现代主义艺术家的一种美学意识和行为状态。凡试图挣脱强制的言说理性秩序的架构,能够表达出处于不确定性的矛盾状态以及无穷尽的“替补”状态,(否定对形而上学的永恒至高境界)最终甚至否定“存在”的可解性,都属于解构意识。
在现代艺术上,结构主义(constractivism系于现代主义20世纪初后的运动,结构主义曾经出现在勃拉克与毕加索的立体主义实验中,一年后,苏俄雕塑家塔特林的绘画浮雕也有同样的体现。
结构主义对二次世界大战后影响极其显著,结合不同材料40年代至60年代初主要的雕塑方式。在技术之外,它影响了思考艺术与科学技术关系的方法,这种源于分析哲学和数理逻辑的理性手法不仅涉及极少主义和科技计划,甚至融入了几何抽象艺术中。
但是,既是受结构主义影响的较早时期布莱克和毕加索的立体派作品,明显的反映出思考分解后的重组,通过重组后的面貌,原存的符号被赋予的意义已经解除。观众读者实际上能够重构世纪并不存在的现实,以至真正的现存永不可得。
达达主义时期杜尚完全破除旧有形式和美学的法规观点,将物体间原有的意义和关系破坏重组,尤其是杜尚被称为“解构”和“反艺术”之父。
杜尚将艺术品的创作,艺术品的价值和艺术品的批判与欣赏,移往一个无中心,一种无法规定的境界,对当今的种种后现代主义影响至深。
德国新表现艺术家们,常被称为解构主义艺术家,巴塞利斯运用时代错乱的形象(特别是战后德国的全面精神危机状态),全部作品在展出时都倒置悬挂,图像知觉概念被倒置,生理的反向被转换为心理的反省。
德国艺术家的解构意识,是一种带有建设性或修正性的后现代主义,它包容着科学的、道德的、美学的和宗教的、直觉的崭新体系。解构主义思潮影响了建筑设计和建筑作品,在20世纪80年代即已确立了解体、离散和转换的形态。建筑发生在人文科学、自然科学与技术科学的三重复合结构上,其自身的形态不能仅限于物质材料构成的空间结构,解构则必然与结构联系在一起。解构并非对系统性结构的简单拆散、拆散、摧毁甚至否定(现代性的革命往往如此)。它探讨的对象是关于本源、形而上学与构成本

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